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1930年
整个画面平衡却不呆板。
如果改变了其中任意一条线的位置，或是替换了其中任何一种颜色，微妙的平衡感恐怕就不复存在了。
为什么这样简单的几何构成就可以让人看出平衡感呢？一位评论家曾举例说，原始艺术中包含了大量的几何图形，因为对于原始人来讲，世界是不安和动**的，他们每天为了生存而压力重重，亟需一种和无常的生命相反的、稳定的形状，以此作为精神的慰藉和平衡点。
进入20世纪后，物质生活虽比以前丰富了，可世界却动**不安。
蒙德里安预感到时代的变化最终会带来人的感知变化，具象的绘画虽美，但已经不再是现代社会的人们所欣赏的形式，抽象的表达才更契合人们以不变应万变的生存信念。
与蒙德里安那干净而克制的画风相比，波洛克就显得太随心所欲了。
《1949年1号》（No.1，1949）
波洛克（JaPollock）
1949年
《1949年1号》。
名字都如此随意，画作本身大概也正经不到哪儿去。
质地黏稠的丙烯和油漆被随意地涂抹、泼洒在画布上，线条和色块不规则地勾连在一起，没有具体形象，也看不出寓意，反倒像是一团被染了五颜六色的头发，又像是密密麻麻的涂鸦。
波洛克采取了一种全新的绘画手法：他将巨大无比的画布平铺在地上，然后围着画布边走边用刷子、木棍、刮刀、沙子，甚至是自己的手去随意泼抹。
波洛克的灵感从何而来？谁也说不清楚，也许只是他突然灵机一动，将以往的积淀和对艺术的感觉源源不断地挥洒出来罢了。
也许连他自己也没有意识到，如此举动给人类的艺术史带来了多大的改变。
但事实上，他的艺术被称为突破了文艺复兴以来绘画艺术的基本概念。
他不仅仅改变了绘画技法、颜色搭配、观看方式，更是把绘画的基本概念都改变了。
他的画里没有具体形象，没有寓意，没有符号学，没有象征手法，甚至没有上，没有下，也没有边界。
以往我们赖以评判一幅画的标准，此时统统不再适用。
绘画变成一种纯粹的状态，一种艺术家在画布上行动时所留下的印记。
既然行为的印记也可以成为艺术，那行为本身呢？
1965年的一天，在德国杜塞尔多夫的一家画廊里，人头攒动。
拥挤的人们围着一个玻璃挡板，他们一边极力地伸着脑袋，一边指指点点。
他们或惊讶，或不解地互相交谈着什么，仿佛隔着透明玻璃的那一头正发生着什么神秘而古怪的事情。
如果你发挥出工作日挤公交车的能力，突破重围挤到玻璃挡板前，就会看到玻璃后面有一个奇怪的男人。
他虽然穿着得体，但脑袋上却涂着蜂蜜，贴满了金箔，怀里还抱着只毫无声息的兔子，一会儿走，一会儿坐，两手抱着兔子的前爪比画着，嘴里好像一直在跟兔子念叨着什么。
整整三个小时过去了，门被打开，人们得以进入玻璃挡板内部，近距离地看着这个奇怪的男人，而他却只是背对人群，抱着兔子静静地坐着。
这场行为的一切，包括奇怪的男人、死去的兔子，甚至是椅子，通通都属于一件艺术作品。
这件作品的名字叫《如何对一只死兔子解释绘画》，而这个男人便是博伊斯。
博伊斯的人生充满了传奇色彩。
他童年时期离家出走，混迹在马戏团里；青年时期参加了第二次世界大战，差点为国捐躯；大难不死后又投身艺术创作。
在坎坷人生中沉淀下来的勇敢，为他的作品带来了不确定性，也带来了他特有的军人气质。
博伊斯从一开始就试图要去打破艺术的边界。
在他看来，战争带来的苦难与和平的宝贵用画布难以表现，他要让观众抛弃理性，抛弃以前那种严密的逻辑思考，跟着他进入作品，调动一切感官——听觉、视觉、嗅觉，甚至触觉去贴近艺术本质，让观众自己也成为作品中的一部分。
这种方式对于千千万万被战争摧残过的、和博伊斯有类似经历的人来说，是无比震撼的体验。
比如这件《如何对一只死兔子解释绘画》的作品，能用具体的、有严密逻辑的语言去解释博伊斯为什么这样做，解释他脑袋上的蜂蜜代表什么、金箔代表什么、兔子代表什么、他在玻璃柜中与兔子的一言一行代表了什么吗？不能。
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